Hollywoodland

"PILLOLE"

2011-09-09T18:14:00.020+02:00

BRIDESMAIDS - LE AMICHE DELLA SPOSA
Sinceramente mi stupisce e preoccupa il successo che questo film ha avuto in patria. Ogni scena del film è trita e ritrita e si prevede circa con dieci minuti di anticipo, le uniche fonti di umorismo provengono da un donnone corpulento che ricorda fin troppo l'Alan di Una notte da leoni, i pochi personaggi che potevano regalare tante risate vengono messi sullo sfondo e dimenticati (Rita/Wendy McClendon, sessualmente frustrata e madre di tre adolescenti, e Becca/Ellie Kemper, idealista sposina senza preoccupazioni). L'umorismo è al livello dei nostri cinepanettoni, tra diarrea evacuata nel lavandino e gente che si vomita in testa. Ma soprattutto: la protagonista (Kristen Wiig, anche sceneggiatrice e dunque totalmente responsabile della noia del film), è poco interessante, non ha scopi, motivazioni, si comporta in maniera detestabile con tutti ed è completamente inattiva all'interno della storia, con gli eventi che le accadono intorno. Non sarebbe stato un film migliore se visto dalla prospettiva dell'acida ma simpaticissima perfezionista interpretata da Rose Byrne? Inoltre '130 minuti sono veramente troppi per un film di questo tipo.

COME AMMAZZARE IL CAPO E VIVERE FELICI
Quella che poteva venire fuori come una deliziosa e cattivissima commedia nera è in realtà un innocuo ma piacevolmente divertente film comico. Le situazioni messe in scena dai tre protagonisti Bateman, Day e Sudeikis sono spesso esilaranti nonostante la trama e il suo svolgimento siano veramente elementari. Divertentissimi i tre boss da uccidere, tra Jennifer Aniston spassosa ninfomane, Colin Farrell cocainomane decerebrato e Kevin Spacey che fa...Kevin Spacey. I tre protagonisti sono ben scelti: a Jason Bateman il dipendente/impiegato perennemente impegnato riesce perfettamente, Sudeikis replica il suo ruolo di Libera Uscita e Charlie Day è una vera sorpresa, protagonista delle scene più esilaranti e demenziali del film, un talento comico nato.

FRIGHT NIGHT - IL VAMPIRO DELLA PORTA ACCANTO
In questi anni in cui i vampiri imperversano tra film, libri e serie televisive grazie al discutibilissimo successo della saga "letteraria" di Stephenie Meyer, era solo questione di tempo prima che Hollywood si ricordasse di quel piccolo cult anni '80 che è Ammazzavampiri e decidesse di proporci un ennesimo decerebrato remake per giovani. Ho il piacere di dire che stavolta il fallimento è stato evitato: Fright Night è un piacevolissimo aggiornamento, è fresco e divertente, non sa di già visto, e dell'originale conserva tutta la leggerezza, citandolo con piccoli omaggi. Colin Farrell si diverte parecchio nel ruolo di vampiro assetato di sangue, e diverte anche il pubblico. Nel ruolo di Charlie, Anton Yelchin si conferma un giovane attore parecchio convincente, uno Shia LaBeouf 2.0 in versione simpatica e carismatica, con madre molto presente interpretata da Toni Collette, mentre l'attrice inglese Imogen Poots sbarca negli Stati Uniti nel ruolo della sua ragazza. L'intuizione geniale del film è stata di sostituire il personaggio dell'attore a là Peter Cushing Peter Vincent (interpretato, nell'originale, da Roddy McDowall) con uno mago cialtrone di Las Vegas a là Criss Angel interpretato da un fantastico David Tennant, anche se in questo modo è stata abbandonata tutta una riflessione su un certo tipo di cinema, che era un pò il punto di forza dell'originale. Questo rifacimento si concentra più che altro sull'amicizia e su come le persone cambino, situazione esplicitata tramite l'amico abbandonato da Charlie, interpretato da McLov...cioè, Christopher Mintz-Plasse (condannato, come Michael Cera, all'eterno ruolo di nerd). Altro elemento pregevole è il non aver abbandonato sangue ed effetti gore per attrarre un pubblico di famiglie, ed essendo il film prodotto dalla Disney questa era una grossa preoccupazione: invece l'horror (tra sangue, teste e arti mozzati) non manca.

Rumble Fish

2011-08-06T22:21:00.004+02:00

Il rumble fish, anche noto come Betta splendens, è un pesce siamese noto per la sua aggressiva territorialità. In un acquario, due pesci maschi di questa specie si ucciderebbero a vicenda in brevissimo tempo. Rumble Fish è anche il titolo di questo film (banalmente tradotto in terra italiota con Rusty il selvaggio), girato da Francis Ford Coppola nel 1983, e ispirato al romanzo di S.E. Hinton, autrice di The Outsiders, anch'esso trasformato in film dallo stesso Coppola. Se quest'ultimo si qualifica come semplice e fin troppo nostalgico dramma giovanile, Rumble Fish è invece un opera complessa ed espressiva, in grado di racchiudere in sè l'eterno dramma della teen angst senza risultare banale o moralista.
La storia di due fratelli: Rusty (Matt Dillon), adolescente sbandato che rimpiange un periodo che non ho mai vissuto, quelle delle guerre fra bande in un tempo "d'oro" non ancora inquinato dall'eroina, il cui più grande sogno è quello di essere come il suo "mitologico" fratello maggiore, The Motorcycle Boy (notare l'assenza di nome proprio, che non viene mai pronunciato), che proprio di una banda era l'indiscusso e amatissimo leader. Quest'ultimo è appena uscito di galera e ora si aggira senza meta, spezzato come un Dio caduto, stufo di essere idolatrato e ridotto all'ombra di sè stesso, uno stato d'animo che Rusty, così voglioso di essere amato, non riesce proprio a comprendere.
Al centro di Rumble Fish vi è una eterna ed instancabile ricerca di sè stessi alla scoperta della propria autentica natura, ma soprattutto la lotta interiore che si svolge nel mentre di questa ricerca. Rusty cerca un'identità, e "ricalcare" il comportamento del fratello gli sembra l'unica soluzione; mentre The Motorcycle Boy è stufo della sua immagine pubblica di "Robin Hood e Pifferaio magico" e cerca di adattarsi ad una vita sedentaria, ostacolato da una probabile tossicodipendenza. I due fratelli saranno destinati a non comprendersi mai se non nel drammatico finale, e la tagline del poster del film riassume perfettamente questa dinamica: Rusty James can't live up to his brother's reputation. His brother can't live it down, che sintetizza come Rusty voglia essere suo fratello, mentre quest'ultimo non voglia essere sè stesso.
La forma stessa del film è ideata per ricalcare le percezioni dei protagonisti: il bianco e nero rappresenta il daltonismo di The Motorcycle Boy. Le uniche note di colore appaiono nel finale e in una scena particolare in cui due fratelli si recano in un negozio di animali e osservano i pesci siamesi del titolo, uniche forme a colori in un mondo in bianco e nero. Come i due pesci, anche i ragazzi del quartiere si ucciderebbero in brevissimo tempo se ne avessero l'occasione.
Nello stile del film si amalgamano influenze distantissime: la fotografia e i grandangoli rimandano a Welles, gli ambienti e le inquadrature sghembe all'Espressionismo Tedesco, insomma le influenze sono innumerevoli e tutte ben celate. Contribuiscono all'atmosfera la discordante colonna sonora reggae di Stewart Copeland, e i combattimenti tra bande coreografati a mò di balletto, in cui il realismo è volutamente assente.
Il cast presenta Matt Dillon e Mickey Rourke in interpretazioni da antologia: aggressivo, rabbioso, e infantile il primo; ferito, stordito e "(un)comfortably numb" il secondo. Ottimo Dennis Hopper nel ruolo del distante padre alcolista dei due. E' interessante giocare a riconoscere giovanissimi attori che oggi figurano nel pantheon di Hollywood: da Diane Lane al compianto Chris Penn, da Laurence Fishburne a Nicholas Cage...
Rumble Fish è uno dei migliori film di Francis Ford Coppola, e si fatica a comprendere le stroncature che ricevette alla sua uscita. Troppo poco Hollywoodiano?

127 Ore

2011-06-27T10:54:00.007+02:00

Blue John Canyon, Utah, Aprile 2003: lo scalatore Aron Ralston precipita lungo una parete di roccia. Il suo braccio destro è rimasto schiacciato e bloccato da un grosso masso dal peso di 400 chili, che gli impedisce ogni movimento. Aron rimarrà nel canyon per 127 Ore, arrivando a prendere una drastica decisione pur di sopravvivere.
Il regista premio Oscar Danny Boyle e il suo sceneggiatore Simon Beaufoy si sono ispirati a questa vera storia di sopravvivenza e forza di volontà per mettere in scena una pellicola frenetica e nervosa. Nonostante l'ambientazione statica che sembrerebbe impedire ogni guizzo artistico, il team dietro al film è riuscito a trasformare il tutto in "an action movie with a guy who can't move". Merito anche della titanica performance di James Franco, che riesce a rappresentare perfettamente uno scavezzacollo come Ralston, che anche dopo la drammatica esperienza nel canyon non ha mai smesso di praticare escursionismo. Una prova aiutata anche dal fatto che il protagonista si trova da solo durante quasi tutto il film, a parte i quindici minuti iniziali in cui Aron incontra due belle escursioniste (interpretate dalle splendide Kate Mara e Amber Tamblyn) e qualche rapido flashback che gli ricorda le persone importanti della sua vita. E' molto efficace in questo senso la sequenza dei titoli di testa, che si concentra su folle di fedeli in preghiera, eventi sportivi in stadi ricolmi di pubblico, strade cittadine traboccanti di persone: è fortissimo così il contrasto con la totale solitudine in cui Ralston si troverà poi. Con un solo attore su cui concentrarsi, la regia è libera di girare intorno a Franco, inquadrarlo di volta in volta in primi piani ravvicinatissimi, inscrivendolo in efficaci split screen o coinvolgendolo in piani sequenza elaborati. Tutti procedimenti resi più semplici dall'aver ricreato la spelonca rocciosa in un teatro di posa (in maniera davvero molto realistico), rendendo così molto più semplici gli spostamenti di macchina. Il film descrive un mondo di percezioni, tutto è vissuto attraverso gli occhi del protagonista, dall'inizio alla fine. Funziona ottimamente l'intuizione di riprendere parte delle scene attraverso la telecamera digitale di cui Ralston/Franco è munito: unico strumento per mantenere almeno in parte il contatto col mondo, per raccontarsi, per vivere la propria esperienza attraverso un doppio punto di vista: ciò che è visto con i suoi occhi e ciò che la telecamera riprende con esasperato realismo. Fotografia ed effetti sonori contribuiscono a renderci partecipi dell'Esperienza, che diventa percezione fisica e visiva anche per il pubblico. Vanno lodati i due direttori della fotografia Anthony Mandle ed Enrique Cheriak, sia per come riescono a riprendere paesaggi da mozzare il fiato, che per la maestria con cui dipingono immagini più intime e circoscritte, ed il montaggio frenetico e "videoclipparo" (in maniera positiva) di Jon Harris. La musica di Rahman è efficace, anche se spesso le canzoni scelte risultano molto fuori posto: in questo campo sarebbe stato meglio effettuare scelte più sobrie, visto che spesso si rischia di tirare fuori lo spettatore facendogli ricordare di stare assistendo ad un film.
127 Ore è un film davvero grandioso, era impresa ardua rendere entusiasmante una storia così ed il risultato è davvero dei migliori. Non una storia da shock facile, ma una celebrazione della vita e della volontà di sopravvivere tentando il tutto per tutto.

Thumbsucker - Il succhiapollice

2011-06-25T15:56:00.006+02:00

Nel 1969, anno di importanza enorme per il cinema, Easy Rider divenne il primo film indipendente a sbarcare con un certo successo nei cinema di tutto il mondo, raggiungendo subito il grado di cult istantaneo. Dopo che autori come Tarantino, i fratelli Coen e Spike Lee hanno reso il cinema indipendente capace di ottenere successi pari quello mainstream, anche le grosse case di produzione hanno fondato delle divisioni indipendente: la più importante delle quali è sicuramente la Fox Searchlight. Ad essa va il merito di essere riuscita a sdoganare questo tipo di cinema definitivamente, ma purtroppo la stessa si è resa colpevole di un'uniformazione generale: la parola indie è diventata sinonimo di personaggi dolci e un pò strambi, una sciropposa colonna sonora acustica e tante lacrime miste a risate. Da semplice indicazione "economica" della provenienza del film, a vera e propria qualifica di genere. Se spesso questa formula funziona alla grande regalando pellicole sincere (come Juno, Little Miss Sunshine, 500 giorni insieme), altre volte crolla miseramente su sè stessa dimostrandosi assolutamente inadeguata. E' appunto il caso di un film come Thumbsucker, film del 2005 che narra la storia di Justin, timido liceale chiuso in sè stesso, che sta provando a liberarsi da una dipendenza molto particolare: succhiarsi il pollice, appunto. Vi riuscirà grazie ad alcuni farmaci prescritti da un brillante professore, ma questo servirà solo a fargli cambiare tipo di dipendenza rendendolo iperattivo. L'unico modo per uscire da questo loop infinito è risolvere alcune questioni in sospeso nella sua vita...
Non c'è molto da raccontare su questo film: la sceneggiatura si barcamena tra la volontà di creare situazioni stravaganti (quirky) e quella di spiegare, male, il perchè della condizione in cui si trova Justin. Non c'è un momento in cui crediamo che la storia di questo ragazzo sia credibile: durante la pellicola viene accennato come il pollice sia un simulacro del seno materno, ma il rapporto del ragazzo con la madre non è chiaro: a tratti sembrano attaccatissimi, ma a metà del film pare che lo sceneggiatore si sia completamente dimenticato di questo, visto che Justin inizia a credere, basandosi su niente, che lei abbia una relazione extraconiugale. La rivalità col padre, anch'essa non sviscerata a dovere, è forse la ragione a cui attribuire il tutto, o almeno così siamo portati a credere. Il fatto è che sono talmente tanti i temi ad essere spalmati a forza in appena un'ora e mezza di film, da non potersi concentrare a dovere su nessun elemento: il rapporto difficile di Justin con i genitori, la sua eterna dipendenza da qualcosa, una velata critica dei gruppi di dibattito scolastico a cui il ragazzo partecipa, la rivalità con uno strambo dentista new age, e persino la relazione con una procace compagna di classe (altro personaggio appena accennato) che comprende scene di sesso bendato. E alla fine, dopo tutta questa concentrazione di elementi. tutto si risolve in un miserrima lezione sull'essere sè stessi nonostante tutto. Peccato perchè gli altri elementi non sono certo da buttare: la regia di Mike Mills è ottima nel suo minimalismo, e incornicia con grazia i volti e le interpretazioni dei protagonisti; la fotografia è particolarmente fredda e realista per un film di questo tipo, con delle belle scene oniriche virate sul rosa; e anche le interpretazioni sono di ottimo livello. L'interprete principale, Lou Taylor Pucci, è carismatico e riesce ad esprimere molto più di quanto sia scritto nello script, e l'eternamente sottovalutato Vincent D'Onofrio rende memorabile il ruolo del padre distante. Perfetto anche Vince Vaughn nel ruolo di un professore combattuto tra la sua serietà professionale e la voglia di essere accettato come un amico dai suoi studenti, forse uno dei migliori lati del film insieme al dentista hippie Keanu Reeves, la cui inespressività è stavolta fondamentale per mettere in scena questo stravagante personaggio. La bella e brava Kelli Garner (vista nel ben superiore Lars and the real girl) può poco con una parte scritta coi piedi il cui arco caratteriale è francamente incomprensibile e totalmente inutile all'economia del film.
In sostanza, Thumbsucker può contare su una regia ispirata e delle ottime prove attoriali, ma la pellicola riesce ad esprimere ben poco se non noia e confusione. La parola da usare è: 'indie'pochezza.

Libera Uscita

2011-06-18T20:35:00.002+02:00

Peter e Bobby Farrelly: il tipo di registi con un posto fisso a Hollywood, perchè non interessati a rischiare. Basta prendere qualche comico ben rodato (Carrey, Stiller, Jack Black o, come in questo caso, Owen Wilson), inserire una serie di situazioni da gag sicura e tirare dentro anche qualche bella ragazza pronta a mostrarsi poco vestita (basta che non siano le attrici protagoniste, ovviamente). Libera Uscita, in originale il ben più efficace Hall Pass, - termine ben noto ai collegiali statunitensi - rientra perfettamente in questo esempio.
L'intreccio è dei più comuni: due uomini sposati ossessionati dal sesso ottengono dalle esasperate mogli una settimana "di ferie" dal matrimonio, nella speranza che i due sfoghino i loro desideri repressi per poi tornare alla tranquillità coniugale, ben sapendo che tra il dire e il fare c'è di mezzo il mare. La coppia di protagonisti funziona alla grande: c'è Rick (un Owen Wilson insolitamente contenuto), riservato, calmo, innamorato, ma i tanti anni di matrimonio hanno ormai spento ogni scintilla di passione sia in lui che in sua moglie, e poi Fred (Jason Sudeikis, praticamente un clone sboccacciato dell'Ed Helms di Una notte da leoni) continuamente alla ricerca di nuovi stimoli, che spesso si sfogano sui sedili anteriori della sua automobile quando la moglie tira fuori la scusa del mal di testa.
Il film funziona meno quando vuole concentrarsi su tutto un gruppo di personaggi francamente inutili: Larry Campbell di La vita secondo Jim interpreta esattamente lo stesso ruolo, la coppia di "amici" d'alta società ha l'unica funzione di creare scenette da sitcom vietata ai minori, così come non si comprende la funzione della bella babysitter interpretata dall'inespressiva Alexandra Daddario: dovrebbe creare scompiglio nel personaggio di Wilson, peccato che tutto questa venga solo malamente accennato senza essere risolto.
Ottimo invece il Coeniano Richard Jenkins e molto simpatiche le mogli, per una volta ben sfruttate dalla sceneggiatura, interpretate da Jenna Fischer e Christina Applegate.
In sostanza, Libera Uscita è una buonissima commedia, soprattutto quando si ricorda di essere un bromance, volgare quando deve esserlo ma nemmeno tanto acida e politicamente scorretta come ci aspetterebbe. I due protagonisti ovviamente si dimostrano tutto fumo e niente arrosto, e il finale si risolve nella solita lezioncina morale all-American: va bene andare a letto con tutti, ma quando siete sposati no, eh.
Rimane una certezza: i Farrelly continueranno a fare i film divertenti e piacevoli che hanno sempre fatto e c'è la garanzia di dimenticarli poco dopo la visione, risparmiando spazio per il cervello. Per chi è interessato a ridere ma anche a ottenere qualcosa di più da portare con sè (presente!), ci sono sempre Kevin Smith o Judd Apatow.

Winter ' s Bone - Un gelido inverno

2011-03-05T20:12:00.001+01:00

Un certo tipo di cinema americano e di serie televisive mainstream ci hanno abituati a vedere gli Stati Uniti d'America con un alone patinato e glamour, un paese popolato di bellissimi e bellissime, in cui la cosa più importante è riuscire a realizzare i propri sogni.
In questo contesto sono dunque ben accette pellicole che mettono in scena senza compromessi una realtà che a molti potrà sembrare fuori dal mondo, ma che non è per nulla lontana dalla verità.
Winter's Bone è dunque un raro esemplare di film che vuole rappresentare senza compromessi un'America diversa a cui non siamo abituati, di cui maschilismo, violenza e prevaricazione sono le principali componenti. Una violenza che si traduce nei discorsi dei protagonisti, ammantati di una conflittualità crescente, in cui gli sguardi e i gesti dicono più di mille parole. Un mondo in cui le donne vengono lasciate sole a badare a casa, figli e bestiame mentre i mariti si strafanno, spacciano droga e le abbandonano non appena le prime rughe iniziano a comparire sui loro volti.
Una sorta di noir contadino visto dagli occhi di Ree Dolly, diciassettenne che vive con una madre catatonica ed ha sulle sue spalle i piccoli fratelli. E' alla disperata ricerca del padre, uno spacciatore di meth scomparso dopo aver impegnato la casa di famiglia per pagare la sua cauzione. Forse solo una regista come Debra Granik poteva riuscire a mostrare il personaggio nella sua autentica luce: una ragazza forte che non si fa mettere i piedi in testa, ma mai insopportabile maschiaccio e anzi dotata di una femminilità che potremmo definire "guerriera".
Ree è una ragazza decisa e inarrestabile quando si tratta di dover difendere la sua famiglia, una giovanissima donna che è stata costretta ad abbandonare troppo presto l'infanzia, come sicuramente dovrà succedere anche ai fratelli a cui lei fa in tutto e per tutto da madre. Molto belle ed esplicative le due sequenze in cui Ree insegna loro a cacciare, a scuoiare e cucinare degli scoiattoli. Come in un tempo primitivo non ancora dimenticato, la giovane adulta trasmette la sua conoscenza ai più piccoli, consapevole che presto anche loro dovranno abbandonare giocattoli e spensieratezza per diventare adulti.
L'interpretazione della ventenne Jennifer Lawrence è senza mezzi termini una delle migliori degli ultimi dieci anni, intensa ma mai eccessiva (oggi, in cui si tendono a dare premi ad interpretazioni sempre più estreme, la ritengo una qualità da non sottovalutare), con un'espressività controllatissima: i suoi splendidi occhi azzurri lasciano immaginare in ogni istante i mille pensieri che si affollano nella sua mente, tanto che sembra quasi di leggere un libro. Entriamo nel mondo e nella testa della protagonista attraverso le espressioni dell'interprete invece che con un banale voice over.
Nella fondamentale scena del colloquio con il militare responsabile delle iscrizioni per l'esercito, a cui Ree vorrebbe unirsi col fine di ottenere soldi per salvare la sua famiglia dalla rovina, percepiamo e sentiamo tutti i dubbi e le paure che si celano dentro di lei, ogni dubbio e ogni speranza che crolla come un castello di carte ad ogni parola del suo interlocutore. Per non parlare della scena sul lago, semplicemente da brividi. Anche qui, enorme doloro trasmesso attraverso una gamma di espressioni molto ridotta.
I coprimari non sono allo stesso livello, a parte forse John Hawkes nei panni del complesso e tormentato zio Teardrop, ma ognuno di essi mostra una naturalezza invidiabile e degna di lode. Così come merita una lode il makeup praticamente assente, in modo da evidenziare e incorniciare ancora di più i volti reali dei personaggi, una cosa che molte pellicole oggi dimenticano.
La livida e gelida fotografia fornisce al tutto la cornice ideale, e la scenografia è quasi apocalittica nella sua devastazione e nel suo squallore.
Sembra quasi uscita da un film post-nucleare alla The Road, e invece riproduce fedelmente lo stile di vita dell'altopiano di Ozark, Missouri. Il film è girato nelle autentiche case degli abitanti di quella zona, e molti hanno addirittura prestato i loro vestiti agli interpreti.
Come The Messenger lo scorso anno, Winter's Bone ci riporta indietro al cinema indie di una volta, quello capace di stupire e colpire direttamente allo stomaco, diversamente dai soliti cloni simil-hipster dei pur bellissimi Juno e Little Miss Sunshine.
Una delle più alte vette dell'anno cinematografico passato, un film che ci regala nuovamente un cinema toccante, impressionante, reale.

The Dreamers: Impressioni sparse

2011-02-20T12:04:00.002+01:00

"Ero diventato membro di quella che in quei giorni era una specie di massoneria, la massoneria dei cinefili, quelli che chiamavamo malati di cinema. Io ero uno degli insaziabili, uno di quelli che si siedono vicinissimi allo schermo. Perché ci mettevamo così vicini? Forse era perché volevamo ricevere le immagini per primi, quando erano ancora nuove, ancora fresche, prima che sfuggissero verso il fondo, scavalcando fila dopo fila, spettatore dopo spettatore, finché, sfinite, ormai usate, grandi come un francobollo non fossero ritornate nella cabina di proiezione."

Difficile esprimersi su questo film senza ripetere cose sentite milioni di volte. Tanti sono i temi trattati dalla pellicola, e avrei bisogno di più visioni per scoprirli tutti, per cui mi limito a dire cosa ho percepito dal mio punto di vista.

1. Libertà, schiavitù e rivoluzione
In The Dreamers il desiderio di libertà porta i protagonisti a rifugiarsi in un mondo fittizio che, paradossalmente, li rende ancora più schiavi: Matthew, giunto a Parigi con la scusa di "dover imparare il francese" ma con la voglia di vivere senza restrizioni, passerà gran parte del tempo chiuso in un appartamento senza contatti con l'esterno; Theo non fa che parlare di rivoluzione ma non ha il coraggio di combatterla, aspettando che gli altri facciano il lavoro sporco; mentre Isabelle non è mai sè stessa, infatti parla e si muove utilizzando solo cose sentite e viste nei suoi amati film. L'unico luogo in cui è libera dalla finzione è la sua stanza da letto, arredata come quella di una bambina e in cui gli altri non possono entrare. Insomma, i personaggi sono dunque imprigionati dal loro stesso desiderio di fuga. La scena finale del mattone che entra rompendo la finestra della casa rappresenta la realtà che fa finalmente ingresso nel mondo dei tre sognatori. Bertolucci ci lascia con un dubbio finale. La violenza è giustificata se riesce a innescare un cambiamento (Theo), oppure l'amore può risolvere ogni contrasto (Matthew)? A noi la sentenza...

2. Il rapporto ossessivo tra Theo e Isabelle
Il rapporto fra i gemelli è stato definito da molti critici un incesto in tutto, tranne che nell'atto sessuale. Io personalmente dissento: è sicuramente un rapporto ossessivo e malsano, ma non incestuoso. I due sono come in simbiosi: vivono insieme, dormono insieme, fanno il bagno insieme. Si considerano come un unicum, per cui quando uno dei due prova piacere fisico anche l'altro si eccita, come se stesse succedendo anche a lui, ecco perchè si costringono l'un l'altro a compiere vari atti sessuali (Isabelle costringe Theo a masturbarsi, mentre lui spinge la sorella a perdere la verginità con Matthew). In una scena Theo sostiene che lui e Isabelle siano gemelli siamesi, cosa impossibile dato che sono di sessi differenti, eppure vediamo sulle loro spalle una cicatrice identica, come se fossero stati separati chirurgicamente. Matthew viene integrato nel gruppo, diviene come un terzo gemello, ma il suo innamoramento verso Isabelle le fa passare meno tempo con suo fratello, che di conseguenza passa una sera con una ragazza: episodio che provoca una crisi in Isabelle, che ha paura di perdere la sua "metà", il suo gemello siamese, senza il quale non potrebbe vivere.

3. Il rapporto con il cinema
Tutto il film è una citazione continua, nonchè un tributo di Bertolucci al cinema: soprattutto quello della Nouvelle Vague su cui si è formato, ma non solo. Inoltre, il cinema è il primo punto d'incontro fra i protagonisti: Matthew, proveniente non a caso dalla California, incontra i gemelli ad una manifestazione di fronte a un cinema di Parigi. Si potrebbe quasi dire che è la New Hollywood che incontra la Nouvelle Vague, non a caso prima fonte di ispirazione per registi come Scorsese, Coppola o Altman...

4. I discorsi comparativi tra Theo e Matthew
Molto interessanti sono i discorsi che i due compiono in due occasioni: nel primo, si discute di Chaplin e Keaton, Matthew preferisce il secondo, Theo il primo. E' un confronto acceso ma amichevole, un confronto pacifico.
Il secondo confronto, stavolta musicale, fra il Clapton di Theo e l'Hendrix di Matthew, diviene uno scontro idelogico, che termina con i due che si urlano addosso.

Gli attori
Concludendo, c'è bisogno di parlare delle fantastiche interpretazioni dei tre protagonisti.
Michael Pitt è al solito ottimo, molto contenuto, mai eccessivo, ma comunque intensissimo. Louis Garrell è fantastico, sembra quasi una versione più cattiva e ossessiva di Jean-Pierre Leaud. Eva Green è perfetta, soprattutto se consideriamo che era alla sua primissima interpretazione. E' intensa, divertente, inquietante, ottima nei suoi sbalzi d'umore. In più mostra una sicurezza da professionista, anche nelle scene di più esplicite ed emozionali: sembra quasi nata per stare davanti alla cinepresa. Dopo le sue pessime prove in Casino Royale e Le Crociate, qui è riuscita a conquistarmi.

Happiness

2010-11-24T20:50:00.000+01:00

Happiness è un film americano del 1998, opera seconda del pluripremiato regista dalla formazione indipendente Todd Solondz.

La pellicola dipinge con grottesca lucidità e ironia nera un ritratto impietoso delle manie e nevrosi che si celano dietro un'apparentemente perfetta famigliola americana di ceto medio.
Joy, una trentenne musicista a tempo perso, rompe con il fidanzato Andy, spingendolo al suicidio. La sorella di Joy, Helen, è una scrittrice di successo che ha perso l'ispirazione e sogna di essere violentata. Inizierà una relazione telefonica con Allen, vicino di casa sessuomane che le fa continuamente chiamate oscene. La terza sorella, Trish, è una casalinga perfetta e orgogliosa, convinta di avere una famigliola modello. In realtà, suo marito Bill è un pedofilo che tenta di resistere ai suoi impulsi masturbandosi su riviste per adolescenti, fin quando, ormai incapace di sfuggire alla sua natura, arriverà a violentare gli amici del figlio dodicenne.
Dopo il bellissimo Welcome to the dollhouse, Solondz torna a raccontare gli incubi dell'America provinciale e le colpe che si celano come polvere sotto i tappeti dell'apparente benessere in cui i personaggi vivono e crescono. Quella portata in scena è un'umanità ipocrita e intrinsecamente detestabile, eppure è impossibile non simpatizzare con queste persone, e addirittura si arriva ad un processo di identificazione con questi esseri, benchè nessuno di essi provi alcuna spinta verso un cambiamento positivo. Tema portante è anche il sesso che viene vissuto in maniera deviata: dagli esempi più individuabili (il pedofilo, il sessuomane); a Helen che stufa di essere idolatrata vorrebbe essere violentata in modo da sentirsi descrivere per ciò che è, una merda; fino a Billy Jr., figlioletto di Trish e Bill che per tutto il film tenterà di venire, unico fra i suoi amici a non esserci ancora riuscito. In questo senso, l'unica sottotrama a non essere perfettamente integrata e coerente all'interno dell'anatomia del film è quella con i genitori delle sorelle, ma è ottimamente interpretata dai veterani Ben Gazzara e Louise Lasser e dunque non si fa pesare.
Il cast non è dei più noti, o meglio non lo era ancora quando il film uscì, e questo è indubbiamente positivo, permette allo spettatore di proiettare sui volti degli attori le proprie angoscie e insicurezze.
Jane Adams è ottima nel dare personalità al personaggio di Joy, con i suoi occhi perennemente sgranati e increduli dinnanzi a qualunque cosa le accada, un personaggio completamente fuori dal mondo; la Helen di Lara Flynn Boyle è fredda e apparentemente priva di sentimenti ma nasconde una grande fragilità interiore.
Discorso a parte meritano i due fuoriclasse del film, ovvero Dylan Baker e Phillip Seymour Hoffman, entrambi straordinari ancora prima di aver sfondato. In modi diversi riescono a rendere disgustosi i loro personaggi ma al contempo rendono impossibile una non identificazione.
In questo senso, Solondz è l'unico autore capace di far identificare il pubblico con un pedofilo (!) senza giustificarlo, come è giusto che sia, e allo stesso tempo farlo sentire disgustatio dalle azioni che il personaggio compie. E' proprio per questo che certe scene sono un pugno nello stomaco: si è arrivati a un processo tale di identificazione con il personaggio che vederlo fare certe cose fa doppiamente male.
Sia il personaggio di Bill che quello di Allen hanno un solo singolo rapporto in cui riescono ad essere sè stessi in maniera sana: il primo pur essendo pedofilo è un padre modello che non toccherebbe mai suo figlio, il secondo vive una sorta di amore platonico con una vicina di casa ugualmente ferita della vita e disturbata, interpretata da Camryn Manheim. Non è un caso che le sole scene in cui si percepisca un minimo di speranza siano la confessione di Bill a suo figlio, una scena straziante come poche; e l'appuntamento tra Allen e la vicina sulle note di I'm all out of love.
Happiness è, senza se e senza ma, uno dei capolavori dell'ultimo ventennio. E' un film eccessivo che si prende dei rischi enormi lungo tutta la sua durata e non ha paura di osare o di risparmiarsi niente, eppure non c'è un momento che sembri fuori posto o non necessario ai fini del racconto. Grazie ad una regia in forma smagliante dramma, satira sociale e lucido humour nero si compenetrano a vicenda e si fondono fra loro, spaesando lo spettatore e impedendogli di formulare un giudizio sulla moralità dei personaggi.
Se nell'industria cinematografica ci fosse un pò di giustizia in più, Solondz sarebbe considerato uno degli autori più rappresentativi degli ultimi anni insieme ai vari Tarantino, Lee e Coen.
Molto bella la canzone finale, interpretata dal leader dei REM Michael Stipe e da Rain Phoenix.

Inception

2010-09-28T20:26:00.000+02:00

Sembra sempre di assistere alla solita storia, che si ripete a intervalli irregolari di tempo. Ovvero: viene annunciato un film, che, per un motivo o per un altro, che siano i nomi degli attori e dei cineasti coinvolti, o una storia che sembra sulla carta molto accattivante, riesce a destare interesse. Appena comincia a trapelare uno straccio di trama più dettagliata, le speculazioni e le ipotesi cominciano a fioccare, i pochi che riescono ad entrare in possesso di una sceneggiatura la definiscono geniale, qualcosa che non si è mai visto prima, "it'll blow your fuckin' mind". A film completato, dopo i primi test screening, le reazioni dei pochi fortunati presenti alla proiezione definiscono il film "qualcosa di sconvolgente, che cambierà tutto per sempre". Escono le prime immagini e l'opinione si divide, l'hype cresce a dismisura e l'attesa sembra divenire eterna. Nell'era di internet, un film inizia a raccogliere fans ancor prima di uscire, ormai il successo dipende solo dal marketing. Nell'ultimo anno e mezzo abbiamo assistito a due fenomeni di questo tipo: il fenomeno Avatar e il fenomeno Inception. Il primo non è riuscito, almeno secondo il sottoscritto, a raggiungere le aspettative a causa di una sceneggiatura inesistente, mentre Inception ha superato le mie più rosee previsioni.

Il film di Christopher Nolan è strutturato come un classico heist movie: c'è la preparazione del colpo, in cui viene progettato un piano e vengono messi insieme i componenti della banda; il colpo vero e proprio, in cui sicuramente qualcosa non andrà come previsto; e infine le conseguenze del colpo, che sia andato a buon fine o no.
Su questa struttura apparentemente semplice il quarantenne regista inglese sviluppa un film neuro-fantascientifico governato da precise regole, dove ogni sogno è costruito come una matrioska, arrivando addirittura ad una struttura tripartitica di sogno-dentro-sogno-dentro- sogno. Nolan non ricerca la visionarietà o il surrealismo di un Gilliam o di un Lynch, i sogni dei suoi protagonisti partono dai ricordi, dunque non aspettatevi di vedere cavalli danzanti o passeggiate fra le nuvole, perchè "ogni sogno sembra reale quando ci sei dentro, è solo quando ti svegli che ti rendi conto che c'era qualcosa di strano", c'è un pò la stessa differenza riscontrabile tra un Escher (la scala progettata da Arthur in Inception è un chiaro rimando a questo artista) e un Dalì. Nolan ha progettato il suo mondo onirico personale, che sta a tutta una serie di regole e ingegnose trovate da lui elaborate, in cui le architetture si accartocciano e si ripiegano su sè stesse, i muri esplodono in vortici pirotecnici, le pareti di roccia crollano come castelli di sabbia e la gravità può svanire all'improvviso.
La struttura di fantathriller a incastri funge da presupposto per narrare le ossessioni e i rimpianti di Dom Cobb - un intenso Leonardo Di Caprio, che dimostra ancora una volta la sua straordinaria maturità interpretativa -, i cui sogni sono infestati dalle memorie della moglie morta, (un'ottima Marion Cotillard) spinto dall'unico desiderio di rivedere i suoi piccoli figli. Cobb è il solo centro della vicenda, un uomo che, come Bruce Wayne, Alfred Borden e Leonard Shelby, è da solo a lottare contro i suoi demoni interiori. La centralità di Cobb/Di Caprio potrebbe far pensare che i personaggi secondari siano solo abbozzati, mentre invece non è così, visto che Nolan riesce a descriverli in poche pennellate. Tra gli altri abbiamo la giovane Ariadne (la mitica Ellen Page), incredula di fronte al mondo onirico che le si spiega davanti, l'ingessato e preciso Arthur (Gordon-Levitt, che sta finalmente emergendo), braccio destro di Cobb e anima dell'operazione, Eames (Tom Hardy, che sarebbe infinitamente meglio di Craig come James Bond), che con il suo humour inglese distende l'atmosfera, e, quello che ho apprezzato di più, Cillian Murphy nei panni di Fischer, l'obiettivo dell'inception. Quest'ultimo è il giovane figlio di un industriale morente, che ha un rapporto molto complicato con il padre, e sarà inoltre protagonista di una delle scene migliori del film, un riuscito omaggio a Citizen Kane.
Abbiamo già detto delle qualità di Nolan come sceneggiatore, ma anche la regia è ad altissimi livelli, forse una delle sue migliori. Alcune scene rimarranno impresse negli anni a venire, su tutte la sequenza del sogno a tre livelli e dell'hotel a gravità zero, dove il montaggio è davvero in stato di grazia, e lo straordinario finale che vi rimarrà in testa per molto tempo. Le sequenze d'azione sono incalzanti e mai confuse, molto bondiane nell'insieme, soprattutto quella sulla montagna innevata. La regia mostra quindi un'enorme controllo nel coordinare tutti gli elementi scenografici e tecnici.
Se proprio bisogna trovare un difetto, gli eccessivi spiegoni che i personaggi intraprendono, precisando dettagli importanti per lo spettatore ma del tutto superflui per i personaggi, d'altronde però si doveva pur trovare un modo. Sarebbe da citare anche la colonna sonora di Hans Zimmer, che , pur essendo molto atmosferica ed emozionale, ripete all'infinito le solite soluzioni usate da questo compositore.
In conclusione, Inception è un film che sicuramente dividerà i pareri, ma che farà parlare di sè per molti anni a venire.

Drag me to hell

2009-10-30T18:13:00.000+01:00

Dopo tre kolossal dedicati alla saga dell'Arrampicamuri di quartiere, Drag me to hell rappresenta per il grande Sam Raimi un ritorno alle sue origini orrorifiche. E lasciatemelo dire, si tratta di un ritorno col botto. Raimi riesce nella non facile operazione di poter girare un film squisitamente horror rimanendo nel rating PG-13 impostogli dalla produzione per rendere l'opera accessibile al grande pubblico.

Al film non manca niente: una protagonista carismatica con la quale lo spettatore può riuscire ad identificarsi abbastanza facilmente, trovandosi comunque a godere malignamente ogni volta che le accade qualcosa, e una buona dose di orrore, disgusto e paura misti all' umorismo raimiano più puro.
E' singolare notare che l'orrore rappresentato nel film non è affidato come di consueto a sangue e frattaglie, ma a secrezioni corporee, liquidi e oggetti di ogni tipo, persino vermi ed insetti, che si intrufolano nella bocca della giovane protagonista portando il disgusto ad un livello nuovo ed innovativo, tanto che si potrebbe parlare quasi di fissazione orale, intendibile anche in chiave puramente simbolica: la protagonista non entra solamente in contatto con l'orrore, ma esso entra a tradimento nel suo corpo possedendola dall'interno.
La morale del film è chiara come in una favola di Esopo: il denaro rappresenta il male, e la ricerca di esso porta alla dannazione eterna. Non è un caso che Raimi identifichi il vero villain del film non con la temibile e malefica signora Ganush, ma proprio con la giovane banchiera Christine, che rifiuta una proroga ad una povera ed indifesa (anche se poi si dimostrerà l'esatto contrario) zingara soltanto per un aumento di stipendio.
Allison Lohman è ottima in ruolo che risulterebbe estenuante per qualunque attrice, rappresentato in modo genuino una giovane ragazza che lotta per la sua vita con ogni mezzo a sua disposizione. Justin Long interpreta il classico fidanzatino perfetto, e la sua espressione nella scena finale del film è veramente impagabile. Ottima anche Lorna Draver nei panni della malefica signora Ganush, la sua presenza pervade il film anche nelle scene in cui non appare. Molto notevoli anche Dileep Rao nei panni del sensitivo Ram Jas, e la candidata all'Oscar per Babel, Adriana Barraza, che interpreta la medium Shaun San Dena.
Due elementi che contribuiscono molto al film sono la fotografia e la colonna sonora. Il direttore della fotografia Peter Deming fornisce al film una tonalità virata sul giallo-rosso che predilige i colori caldi, rendendo il tutto molto atipico per un horror, quasi a rappresentare la minaccia infernale che grava su Christine. Mentre la colonna sonora, composta dallo specialista horror Christopher Young, dotata di un atmosfera molto retro, quasi da horror anni '50, crea un notevole contrasto con le immagini moderne del film, contribuendo a creare una sensazione di inquietudine crescente.
Raimi è un grande regista, e in questa opera dimostra per l'ennesima volta di essere prima di tutto un autore, riuscendo a rendere ogni film diverso dal precedente eppure riconoscibilissimo come suo. Due sequenze del film, su tutte, restano notevolmente impresse, ovvero la scena di seduta spiritica con apparizioni molto particolare, ed una sequenza ambientata in un cimitero sotto la pioggia battente.
Drag me to hell è un horror folle, spaventoso, e soprattutto terribilmente divertente, consigliato anche ai non amanti del genere.

Ricatto d'amore

2009-10-30T17:28:00.000+01:00

E' ormai ben noto quanto la commedia romantica sia un genere sempre predisposto a portare a casa incassi cospicui, negli USA più che mai. E' però uno tipo di film ormai stantìo, che spesso (diciamo pure sempre...) sprofonda nella scontatezza. Forse è proprio questo ciò che piace allo spettattore medio: sapere cosa aspettarsi vuoldire poter scegliere un film ed essere sicuri di ciò che si andrà a vedere.
La pellicola di Anne Fletcher Ricatto d'amore, acclamata non si sa come da una larga parte del pubblico e persino dalla critica, incappa proprio negli errori e nei problemi tipici di questo tipo di film. La spietata caporedattrice Margaret (Sandra Bullock, sempre uguale a sè stessa) per evitare di essere rimpatriata nel suo nativo Canada a causa di un visto scaduto, decide di obbligare il suo assistente Andrew (il convincente Ryan Reynolds) , da lei vessato da anni (ma che è, Il Diavolo veste Prada?) a sposarla, con la minaccia del licenziamento. Come prevedibile, seguirà un viaggio in Alaska per conoscere la famiglia di Andrew, composta ovviamente da: nonnina arzilla e simpatica, padre burbero e brontolone e madre amorfa di cui non si comprende bene il ruolo. Il film procede poi verso la classica conclusione.
Leggendo varie recensioni, ci si rende conto che ciò che è stato maggiormente apprezzato della pellicola è l'alchimia tra Reynolds e la Bullock. Il problema è che questa tanto decantata alchimia e pressochè inesistente, si fatica davvero a credere che tra i due protagonisti ci sia un rapporto autentico, oltretutto l'innamoramento dei due è praticamente improvviso, e accade nel giro di pochi minuti. C'è da dire che Reynolds dimostra un notevole senso dell'umorismo e la sua simpatia riesce a risollevare i momenti mosci (tutti?) dell'opera.
Anche Sandra Bullock, abituata a questo tipo di film, riesce a cavarsela con un personaggio scritto malissimo e con spessore pari a 0.
Il ruolo della nonna di Andrew, interpretato dalla simpatica veterana Betty White, dovrebbe fungere da risorsa comica ma invece sembra quasi uscito da una parodia mal riuscita di Un amore tutto suo (film già pessimo di suo), mentre non si capisce la necessità di chiamare un premio Oscar come Mary Steenburgen per un ruolo così marginale come quello della madre di Andrew. Nei panni del padre del protagonista troviamo Craig T. Nelson, che aveva praticamente interpretato lo stesso personaggio in La neve nel cuore. Tra gli altri, spicca, più per bellezza e per frescezza che per doti recitative, Malin Akerman nei panni dell'ex-ragazza di Andrew, ovviamente una Barbie maestrina bionda che in teoria avrebbe dovuto rivaleggiare con la Bullock per il cuore del ragazzo, un conflitto che sarebbe potuto risultare interessante ma che non viene sfruttato affatto.
E' da lodare l'ambientazione scelta per il film, ovvero l'Alaska, che fornisce un minimo di originalità a questa pellicola. Per il resto, il Nulla.

Fa' la cosa sbagliata - The Wackness

2009-09-10T19:00:00.000+02:00

Nel bel mezzo della assolata, e soprattutto desertica estate cinematografica italiana 2009, dobbiamo ringraziare la nostrana casa di distribuzione Fandango per aver recuperato The Wackness (tradotto infelicemente con Fa' la cosa sbagliata, titolo di Spike Lee-iana memoria), film del 2008 diretto da Jonathan Levine, e averlo dato in pasto ai pochi cinefili rimasti a casa per le vacanze. Il film è un vero e proprio gioiello di cinema indipendente, ambientato in una New York dell'anno 1994, quando Rudolph Giuliani aveva appena iniziato la sua "bonifica" dei quartieri più disagiati della Grande Mela, il panorama musicale era stato sconvolto dal suicidio di Kurt Cobain, e le Twin Towers torreggiavano ancora fra i grattacieli dello skyline. Vediamo tutto questo attraverso gli occhi di Luke Shapiro (l'espressivo Josh Peck), diciottenne annoiato, depresso e neodiplomato, "il più impopolare fra i popolari", che per raccimolare qualche soldo ed evitare lo sfratto alla sua famiglia si dedica allo spaccio di marijuana, e che vive con due genitori immaturi, perennemente in lite e sull'orlo del divorzio. Luke è in cura dal Dr. Jeffrey Squires, uno psichiatra eternamente adolescente interpretato da un Ben Kingsley finalmente in ottima forma, che invece delle parcelle preferisce il fumo come pagamento. Quando Luke deciderà di dare una svolta alla sua vita, sarà proprio il Dr. Squires a decidere di aiutarlo a maturare. Il Dr. Squires è una figura malinconica, un uomo che vive la sua vita sospesa tra il rimpianto della sua giovinezza e la delusione del suo presente, nonchè il fallimento di tutti i suoi rapporti sociali e, soprattutto, familiari. The Wackness è soprattutto un film di crescita, di maturazione, non solo mentale ma anche fisica e sessuale. Sarà infatti Stephanie, figliastra del Dr. Squires e compagna di scuola di Luke, ad iniziare il ragazzo al sesso e soprattutto, al vero amore. Un amore non ricambiato, ma che contribuirà alla maturazione di Luke. Che nel finale salverà definitavamente il Dr. Squires da una vita vuota vissuta egoisticamente.
Il cast del film è veramente ottimo, soprattutto l'alchimia fra Peck e Kingsley è autentica e si sente particolarmente, è infatti sull'incontro-scontro fra i due protagonisti che si fonda il film. Kingsley torna finalmente ai suoi altissimi livelli, a cui ci aveva disabituato grazie a film come L'ultima legione, donandoci una performance frizzante e lunatica, ma al contempo riflessiva e triste. Il giovanissimo Josh Peck regge perfettamente il confronto, riuscendo ad elaborare un personaggio credibile, in cui chiunque riuscirebbe ad identificarsi e a condividerne i turbamenti, diventando uno dei punti di forza maggiori del film. Il triangolo è completato dalla convincente Olivia Thirlby, già vista in Juno, che interpreta una specie di Lolita intelligente ma molto immatura, capace di passare da un letto all'altro con molta nonchalance senza preoccuparsi troppo di ferire i sentimenti altrui, la cui storia con Luke diviene un semplice passatempo estivo. Se da Famke Janssen ci si poteva aspettare di più, la performance di Mary-Kate Olsen non è così tremenda come si temeva, anzi.
Dal punto di vista tecnico il film non è da meno: la regia/sceneggiatura del giovane e quasi esordiente Levine è molto pregevole e fuori dal comune, dato che il film non manca di moltissimi momenti notevolmente profondi e malinconici ma risulta comunque ironico, spensierato ed, a tratti, esilarante. Inoltre è da lodare il lavoro del direttore della fotografia Petra Korner, al suo primo lavoro importante. Il suo apporto contribuisce notevolmente a rendere l'atmosfera estiva, opprimente e "umida" che grava sui protagonisti, quasi come un patina che ricopre e avvolge la scena. Nello specifico, una scena "particolare" che coinvolge una doccia sulla spiaggia e un cervo mostra perfettamente la coordinazione fra regia, montaggio e fotografia. Fa' da sfondo a tutto una piacevole colonna sonora hip-hop d'epoca.
In sostanza, The Wackness è uno splendido esempio di cinema giovanilistico, una bella metafora di crescita, e soprattutto un tipo di film che ci piacerebbe vedere più spesso. E' per Kingsley dovrebbe essere obbligatoria una candidatura come non protagonsta ai prossimi Oscar.

Sogni e Delitti

2008-10-14T19:17:00.000+02:00

Cassandra's Dream è il terzo film che Woody Allen ha scelto di ambientare nella capitale britannica, e anche il terzo film della sua rinascita artistica, iniziata con l'acclamato Match Point nel 2006. Tra i film del maestro newyorkese, Match Point è proprio quello a cui questa pellicola si rifà maggiormente per temi e stile, segnando un nuovo capitolo nella cinematografia drammatica di Allen. E' una profonda analisi delle dinamiche familiari, soprattutto quelle che legano due fratelli di South London, Ian (un bravo ma non ottimo Ewan McGregor) e Terry (un Colin Farrell veramente stupefacente, nella sua interpretazione migliore), cresciuti da un padre debole e da una madre che ha insegnato loro a seguire l'esempio dello zio Howard, un ambizioso e ricco chirurgo trasferitosi in California. Quando i due fratelli si troveranno in difficoltà economiche a causa della dipendeza da gioco d'azzardo di Terry, chiederanno soccorso proprio allo zio, che accetterà ad una condizione: dovranno eliminare un vecchio dipendente che sta per testimoniare contro Howard in tribunale. Il delitto andrà a buon fine, ma scatenerà in Terry un senso di colpa che innescherà una reazione a catena.
Centrale dunque, come anche in Match Point, la questione del delitto come forma di scappatoia, ma se nel film del 2006 esso rappresentava una via di uscita per il protagonista, qui non è che un evento in grado di portare dannose conseguenze.
L'ambiente familiare in cui i due protagonisti crescono è resa alla perfezione da Allen: un padre lavoratore e mezzo alcolizzato che si fa mettere spesso i piedi in testa da sua moglie e che vorrebbe solo vedere i suoi figli sereni, e una madre che biasima suo marito per non essere abbastanza ambizioso e che tenta di inculcare ai suoi figli il concetto che il successo è tutto. Inoltre, essa ha sempre preferito l'ambizioso Ian al riservato Terry, che diviene quindi dipendente dal gioco d'azzardo. Prima del machiavellico zio, è stato prima di tutto l'ambiente in cui sono cresciuti i protagonisti a condannarli, difatti la reazione a catena che culmina con l'omicidio è innescata dall'ambizione di Ian di conquistare la bella e incontentabile attrice Angela (Hayley Atwell) e dalla passione per il gioco d'azzardo di Terry, soffocato dai debiti. L'unica ambizione di Ian è il successo, mentre Terry vorrebbe solo metter su famiglia con Kate (Sally Hawkins), ma viene inevitabilmente sotterrato dalle sue nevrosi.
Come già detto, il cast è molto efficace: Ewan McGregor è bravo anche se ci ha regalato prove migliori, ma riesce a rendere bene un personaggio apparentemente sicuro di sè ma in realtà molto vulnerabile e ossessionato da ciò che le persone pensano di lui; mentre Farrell è ottimo nel delineare un personaggio fragile, in preda a mille tic e nevrosi, ma dotato di un forte senso di giustizia che si trasformerà poi in tremendo senso di colpa; Tom Wilkinson è un cattivo quasi shakesperiano che si rifugia dietro alla fedeltà del legame di sangue per chiedere ai suoi nipoti le cose più orribili, dall'omicidio di uno sconosciuto al fratricidio. Ottime anche Hayley Atwell e Sally Hawkins, la prima sensuale e fredda, la seconda ingenua e incredula nel vedere Terry in preda allo stress e all'alcolismo.
La sceneggiatura è concisa e fitta di avvenimenti, dai dialoghi molto teatrali, quasi quelli di una tragedia euripidea, volti a delineare i pensieri dei personaggi e a riassumere eventi non visti sullo schermo. La regia è perennemente volta ad un'ineluttabilità funerea, tanto che fin dall'inizio il film sembra in attesa di un catastrofe. Incornica il tutto la classicheggiante colonna sonora di Phillip Glass, molto tesa e cupa, "il destino che bussa alla porta".
Cassandra's Dream è un film molto sottovalutato e criticato ma a mio parere rientra tra i film migliori dell'Allen moderno, e forse rivaleggia anche con Match Point.

Il Settimo Sigillo in un Paese non per Vecchi

2008-09-04T16:32:00.003+02:00

Leggendo il libro "Non è un paese per vecchi" ho notato parecchie similitudini tra la versione cinematografica ad opera dei fratelli Coen (2007) e il capolavoro "Il Settimo Sigillo" (1957) di Ingmar Bergman. Andiamo ad analizzare queste similitudini:

IL PROTAGONISTA:
Entrambi i protagonisti sono in qualche modo reduci da qualcosa: Antonius Block (Von Sydow) è appena tornato dalle crociate, mentre lo sceriffo Bell (Lee Jones) in giovinezza ha partecipato alla seconda guerra mondiale. Entrambi svolgono una ricerca per dare un senso alla loro vita: per Block è la ricerca di Dio, per Bell quella dei criminali. Antonius Block ha anche vari punti in comune con Llewellyn Moss, l'altro protagonista di "Non è un paese per vecchi".

IL CUPO MIETITORE:

Questa è una similitudine che non ho notato solo io, è stata fortemente voluta dai Coen, in un certo senso lo stesso Anton Chigurh, interpretato da Javier Bardem, può essere identificato con una raffigurazione metaforica della morte. In una scena uno dei personaggi viene interrogato sulla pericolosità del killer Chigurh, rispondendo così: "Pericoloso in confronto a cosa? In confronto alla peste bubbonica?". E' quindi un'entità inarrestabile esattamente come la Morte stessa. Anche ne "Il Settimo Sigillo" la Morte viene accostata alla peste bubbonica. Si somigliano anche in altro: sia la Morte che Chigurh vestono di nero, hanno la testa in qualche modo coperta (la Morte ha un cappuccio, Chigurh un caschetto di capelli), sono inarrestabili e introvabili. Un altro importante punto di contatto è quello che ora passerò a spiegare.

IL GIOCO DELLA MORTE:

Sia la Morte che Chigurh hanno un metodo particolare per scegliere le loro vittime, un metodo che rispettano con una notevole dose di sportività. Se la Morte si basa su una partita a scacchi, appropriandosi dell'anima dell'avversario in caso di vittoria, Chigurh sceglie se giustiziare o meno la sua vittima lanciando una monetina e scommettendo su Testa o Croce.

L'EROE SENZA FEDE:

Anche qui si può fare lo stesso discorso dei reduci: lo scudiero Jons viene dalle Crociate, Llewelyn Moss dalla guerra in Vietnam. Entrambi sono senza fede, pieni di rabbia con il mondo, ma allo stesso tempo sanno essere fedeli e giusti col prossimo, ma la brama per il guadagno li porta spesso alla rovina.

LA CONSORTE CONDANNATA:

Non sono molti i punti di contatto fra Karin Block e Carla Jean Moss, se ne possono trovare sostanzialmente due: entrambe aspettano il marito a casa, Karin aspetta Antonius e Carla Jean aspetta Llewelyn. Sia Karin che Carla Jean sono costrette a seguire la morte dei loro mariti per opera della personificazione della morte.

CONCLUSIONE:
Le due opere hanno sicuramente molti punti di contatto. In entrambi i film, tutti e due con significati strettamente filosofici, abbiamo dei protagonisti che lottano per scoprire la verità in mondi in sfacelo. L'umanità de "Il Settimo Sigillo" è vessata dalla peste, crede di essere sull'orlo dell'apocalisse. In "Non è un paese per vecchi" i protagonisti sono testimoni del loro mondo che cambia, e desiderano tornare ai tempi della loro giovinezza, poichè credono che l'umanità abbia ormai fatto il suo tempo e che ora stia degenerando sempre più verso l'abisso.

Le Iene

2008-08-31T18:35:00.000+02:00

Nel Gennaio del 1992 un piccolo film indipendente colpì il Sundance Film Festival di Robert Redford. Si chiamava Reservoir Dogs. Il regista era il commesso di una videoteca alla prima esperienza cinematografica, Quentin Tarantino. Il film fu snobbato dal pubblico e amato dalla critica, per essere poi riscoperto dopo che la seconda opera del regista vinse la Palma d'Oro.
Non è difficile comprendere le ragioni per cui questo piccolo gioiello indipendente non ebbe il successo che meritava. Innanzitutto per la violenza, definita gratuita, ma strettamente realistica e necessaria allo svolgimento della trama, secondo poi la quasi totale mancanza dell'ironia che fece la forza di Pulp Fiction, infine la scarsità di attori famosi, se si esclude Harvey Keitel. Volti che divveranno poi notissimi nel cinema indipendente anni '90, tra cui Steve Buscemi (ormai caduto dallo stato di grazia stabilito col cinema avantpop di Tarantino e dei Coen e ridottosi a recitare in commedie quali "Vi dichiaro marito e marito"), interpreta il codardo e calcolatore Mr. Pink, Michael Madsen, a cui sono sempre mancati pochi passi per acquistare la fama, è il maniaco tagliaorecchie Mr. Blonde/Vic Vega (fratello del Vincent Vega di Pulp Fiction). E infine lo stupefacente Tim Roth è Mr. Orange. In ruoli minori troviamo poi il deceduto fratello di Sean Penn, Chris. Lo stesso Tarantino si ritaglia il breve, ma spassoso ruolo di Mr. Brown. Il punto di forze del film è proprio il cast, realisticissimo nel manifestare dubbi e nevrosi dei personaggi, ladri appena sfuggiti da una rapina in banca trasformatasi in carneficina a causa di un traditore, di una talpa nel gruppo. L'angoscia dei personaggi è palpabile, asfissiante, e nessuno di essi potrebbe essere quello che sembra. Persino il finale è inaspettato e imprevisto, quasi improvviso. Difficile dire quale attore sia più bravo, ognuno regge a modo suo il film, il cast non ha nulla da invidiare ai successivi film tarantiniani. Dal punto di vista tecnico ci troviamo di fronte a un opera forse un pò acerba, ma dotata di una certa dose di realismo. Come ogni film di Tarantino, la storia non si svolge in un ordine cronologico. Alle scene dei personaggi superstiti, riunitisi in un magazzino per individuare il traditore, sono intervallati vari flashback, sia della preparazione dei personaggi al colpo, che della rapina stessa. La sceneggiatura è solida, Tarantino e lo sceneggiatore Roger Avary (Pulp Fiction, La leggenda di Beowulf) dimostrano ancora una volta il realismo nello scrivere dialoghi fra i personaggi, forse penalizzati da un doppiaggio troppo impostato. Questo film è l'opera più drammatica di Tarantino, di un regista che aveva fatto della spontaneità e del realismo spiazzante e persino surreale (quasi una contraddizione) il suo punto di forza, ma che si è perso un pò troppo per strada e si dedica a film fintamente manieristici, opere sanguinolente e prive di senso che dovrebbero essere omaggi alla sua infanzia, come Kill Bill o l'insulso progetto Grindhouse (girato peraltro in coppia con l'incapace e incapacitato Robert Rodriguez).
Un consiglio da dare Tarantino sarebbe smettere di omaggiare, sperando che la sua prossima opera, Inglorious Bastards, ci restituisca il regista schietto e senza vezzi artistici che conoscevamo.

Juno

2008-04-05T22:26:00.000+02:00

Una boccata d'aria fresca nel deprimente panorama delle commedie adolescenziali, americane e non, Juno trova i suoi punti di forza nel fantastico e originalissimo script concepito dalla mente della ex stripper Diablo Cody, ora blogger e scrittrice, e nell'interpretazione praticamente perfetta e fuori dagli schemi della bravissima Ellen Page, già vista nel terzo episodio degli X-Men.

Il tema trattato, una ragazza che rimane incinta dopo la sua prima volta, è sicuramente già visto ed è stato affrontato dal cinema svariate volte, ma questo è il primo film in cui i sentimenti provati dai protagonisti, e le loro reazioni, risultano quasi autentici, mai falsati, raccontati con toni da commedia che non scadono mai nel banale, o nel demenziale, come nei classici film adolescenziali. Il personaggio di Juno è veramente fantastico, uno dei migliori mai visti, molti spettatori potranno pensare che non può esistere nella realtà una persona così, la verità è che un personaggio totalmente lontano dagli stereotipi, e per questo ancora più reale.

Risulta particolarmente ben scritta la coppia che Juno sceglie per far adottare il suo bambino, Jennifer Garner sorprende per la bravura con cui caratterizza una donna che si rifugia dietro ad un'apparenza perfetta per nascondere le sue incertezze, mentre Jason Bateman è perfetto nei panni di un quarantenne che ha paura di crescere e di prendersi responsabilità e si nasconde nella passione per la musica e per ridicoli film splatter.

Altri personaggi che ho amato particolarmente sono stati quelli di Michael Cera e del bravissimo J.K. Simmons.

Il primo interpreta Bleeker, l'insicuro migliore amico dipendente dalle Tic-Tac con cui Juno decide di fare sesso, il secondo è il padre apprensivo e concreto della protagonista. Degna di nota anche l'ottima Allison Janney, che riesce a rendere interessante e realistico un personaggio che non sembrava molto interessante sulla carta.

Perfetta la regia, Jason Reitman possiede il talento del mitico Ivan, suo padre, qui fa un lavoro di regia più studiato, migliore del divertente ma ancora acerbo Thank you for smoking, il suo esordio dietro la macchina da presa. La fotografia e il montaggio sono perfetti, come d'obbligo nella commedia indipendente.

Ho amato particolarmente la scena finale, molti sentimenti racchiusa in una sola semplice inquadratura, una scena molto intimista e autentica.
Juno è un film semplice, con una trama che potrebbe sembrare già vista, ma è un film che racconta personaggi autentici, personaggi infantili ma allo stesso tempo maturi, che rimangono sicuramente nel cuore dello spettatore e toccano profondamente.

Il cacciatore di aquiloni

2008-03-30T23:49:00.000+02:00

Epico, forte, crudo. Il nuovo film del promettente regista anglo-tedesco Marc Forster colpisce duramente lo spettatore come un pugno nello stomaco. La storia di un'amicizia tradita e di un riscatto dalle colpe passate, sullo sfondo di un Afghanistan martoriato da guerra e integralismo, violentato e umiliato dal razzismo come il piccolo Hassan.

Forster si rivela un regista abilissimo nell'orchestrare un cast di attori completamente sconosciuti nel mondo Occidentale, il che è sicuramente un bene, c'era il rischio di avere i soliti Omar Sharif, Ben Kingsley, Antonio Banderas ecc. , a interpretare personaggi di etnia araba pur non essendolo.

Affidarsi a un cast di sconosciuti poteva essere un rischio, ma le interpretazioni non potevano essere più perfette di così. Probabilmente è la cosa che ho più amato nel film. L'attore che interpreta il padre del protagonista avrebbe meritato una candidatura all'Oscar, mentre Forster riesce a dirigere benissimo anche i bambini, come aveva già dimostrato nel bellissimo Neverland.

Perfette le musiche di Alberto Iglesias, capaci di sottolineare i momenti più importanti con uno stile sempre nuovo.

Ogni scena è stata resa alla perfezione, ripresa paro paro dalle pagine del romanzo di Khaled Hosseini. Merito della sceneggiatura del bravo David Benioff (Troy e il prossimo Wolverine)

Davvero un gran film, dal respiro internazionale, che trova la sua forza nel cast perfetto.

Collateral

2008-03-30T20:50:00.000+02:00

Veloce e calamitante come un Hong Kong movie, crudo e cinico come lo Scorsese dei primi anni, il grande Michael Mann, forse uno dei più grandi registi della Hollywood moderna, consegna al cinema questo film d'azione che è quasi capolavoro.

Dopo due film basati su storie vere, The Insider e il biografico Alì, Mann ritorna a un genere che sicuramente gli riesce meglio, di cui è quasi l'inventore, il thriller metropolitano, lo stesso affrontato sapientemente in due dei suoi film adorati dalla critica, Heat e Manhunter.
Siamo subito catapultati nel meccanismo ad orologeria di questo gioiello cinematografico. Max, interpretato dal Premio Oscar Jamie Foxx, è un tassista con grandi sogni e pochi mezzi per realizzarli, che intreccia la sua sorte con il killer Vincent (un Tom Cruise in stato di grazia, che ci offre la sua migliore interpretazione) che dovrà trasportare in giro per Los Angeles nella sua scia di morte.
E' un film girato alla perfezione, quasi un saggio sulle tecniche di regia, con un fotografia in digitale dal taglio quasi documentaristico, e un montaggio incalzante, un film fatto di dettagli ma non per questo disattento all'emotività dei personaggi.
Un cast messo insieme sapientemente, oltre a Foxx e Cruise spiccano Mark Ruffalo, convincente come sempre, nel ruolo di un detective da una forte integrità, e Jada Pinkett Smith, che compare poco ma riveste molta importanza nella trama.
La sceneggiatura si basa quasi completamente sul contrasto tra i due interpreti, due persone così diverse ma che hanno in comune la solitudine in cui vivono. Due facce della stessa medaglia. Il primo è un uomo buono e sognatore, il secondo è cinico, realista e disgustato dalla città in cui vive, una città piena di gente sola, dove sulla metro non ci si accorge nemmeno di un uomo morto per la fretta in cui si vive (il disgusto per la società lo avvicina un pò al John Doe di Seven, nonostante Vincent sia molto meno invasato, è un killer molto più "freddo" e disinteressato, che agisce solo per lavoro). Ma entrambi i protagonisti provano la stessa sensazione di fronte a un coyote che attraversa la strada (stupenda scena sulle note della bellissima Shadow of the Sun di Chris Cornell).
Davvero un film che rasenta la perfezione, un action thriller davvero profondo e ben fatto.